Sanat Bilimi Doktora Programı / Science of Art Doctorate Program
https://hdl.handle.net/11729/69
Sanat Bilimi Doktora programına ait tez koleksiyonunu içerir.2024-03-28T20:01:24ZBir sıkıntı mekânı olarak “eve” ilişkin fenomenolojik bir yaklaşım
https://hdl.handle.net/11729/3362
Bir sıkıntı mekânı olarak “eve” ilişkin fenomenolojik bir yaklaşım
Sungurlar, Işık
Yapılan bu tezde, ev kavramına farklı bir boyuttan bakarak deneyimsel olarak evin ne anlama geldiği üzerinde durulmuştur. Bunu yaparken de evi sıkıntı ile ilişkilendirip nasıl sıkıntı mekânına dönüştüğü anlaşılmaya çalışılmıştır. Yöntem olarak seçilen fenomenoloji ile birlikte evin bu deneyimsel boyutu incelenmiştir. Modernitenin getirdiği evsizlik, eve sıkışmışlık hissi ile postmodernizmin yapısı içinde oluşan göç, nostalji, ev özlemi gibi yersizyurtsuzlaşmaya dair kavramlar tartışmaya açılarak bireyler üzerinde nasıl bir etki yaptığı irdelenmiştir. Alman filozof Martin Heidegger düşüncesindeki ikamet etme, yerleşme durumlarına bağlı olarak oluşan evsizlik hissi sıkıntı ile bağdaştırılarak sunulmuştur. Toplumsal cinisyet rolleri ile oluşan kamusal alan ile özel alan ayrımı incelenmiş kadının ev içine kapatılması ve ev içi emeğin görülmezliği üzerinde durulmuştur. Bununla birlikte tüm bu kavramların sanat alanında nasıl kendine yer bulduğuna bakılmış, konu örnekler ile somutlaştırılarak anlatılmıştır.; In this study, the emphasis is put on what ‘home’ means experientially by examining the term ‘home’ from a different perspective. While doing this, the home is associated with boredom to understand how it has turned out to be a space of boredom. The experiential aspect of home is being examined with the chosen method of phenomenology. The sense of being stuck at home and homelessness that came with modernity alongside the concepts related to deterritorialization such as migration, nostalgia and homesickness that have been formed within the structure of postmodernism are opened for discussion and their effects on individuals are studied. The feeling of homelessness which is formed in relation to the residence and settlement issues in the thoughts of German philosopher Martin Heidegger is presented in association with boredom. The distinction between public space and private space, which is formed by gender roles, is examined while the invisibility of domestic labor and the confinement of women inside the home are emphasized. In the meantime, how all these concepts have found their places in the field of art has been studied and explained with concrete examples.
Text in Turkish ; Abstract: Turkish and English; Includes bibliographical references (leaves 158-167); xii, 168 leaves
2021-06-14T00:00:00ZEnformasyon, sistem ve sanat ; büyük veri çağında sanat
https://hdl.handle.net/11729/3358
Enformasyon, sistem ve sanat ; büyük veri çağında sanat
Hekim Bülbül, Nazlı Zeynep
Büyük Veri, yaşayış biçimimizi, anlayışlarımızı, öğrenme, bellek, düşünce sistemimizi ve en nihayetinden yavaşça ama köklü bir şekilde sağduyumuzu topyekûn değiştirmektedir. İnsanın evrimine etki eden diğer enformasyon teknolojileri gibi Büyük Veri de önemli paradigma olarak tarihte yerini almıştır. Bu tez postmodern temelli bir sosyo teknik modelleme olarak Büyük Veri’nin sanat anlayışımızda ve sanatın sınırlarında nasıl bir değişim yarattığını, Büyük Veri’nin kavramsal olarak sanat tarihinde, sanat felsefesinde ve epistemolojik olarak nasıl konumlandığını ve bunun sonuçlarının neler olabileceğine dair yanıtlar aramaktadır. Bu kapsamda çalışma Büyük Veri Sanatının Burnham’ın sistem estetiği ve yine erken kavramsal sanatın ruhu Fluxus hareketi ile okunması gerektiği savını ortaya koymaktadır. Çalışmada tartışılan diğer bir konu ise Büyük Veri teknolojisinin sanat piyasası, sanat izleyicisi, sanatçı ile bizatihi sanat üzerindeki etkileri ile ilgilidir. Burada dijital kültürün akışkan imge bolluğunun olduğu bir ortamda sanatın analitik, istatistiklerle yönetilmesi halinin bizatihi sanatın varoluş nedeni ile biçimini değiştirdiği savı ortaya konmaktadır. Bu çalışmada çağdaş sistemik anlayışı kullanılarak Büyük Veri’nin sanat bağlamı çok yönlü bir biçimde analiz edilmeye çalışılmıştır. Bu nedenle sanat kuramı, felsefe, sosyoloji, bilgi sosyolojisi ve sosyo-teknik gibi birçok toplum doğa ve beşerî bilimin ilgili alanı içeren disiplinler ötesi bir çalışmadır. Bu doğrultuda tezde Ludwig Von Bertalanfy, Claude E. Shannon, Norbert Wiener Marshall Mcluhan, Niklas Luhmann, Deleuze ile Guattari, Foucault, Jack Burnham, Walter Benjamin, Jean Baudrillard ve çağdaş düşünürlerden Viktor Mayer- Schönberger’ın görüşlerinden yararlanılmıştır.; Big Data is precisely changing our understandings, learning, memory, system of thought and finally, slowly but radically, our common sense. Like other information technologies that affect human evolution, Big Data has taken its place in history as an important paradigm. It was impossible for such a powerful paradigm not to affect art, one of the oldest information technologies. This article seeks answers on how the Big Data as a socio technical model trigger changed our understanding of art and the boundaries of art, how Big Data art conceptually took a place in art history, art philosophy and epistemologically, and what the consequences of this might be. It reveals the argument that Big Data Art should be read with Burnham's system aesthetics and the Fluxus movement. In adding, the effects of Big Data technology on the art market, the art audience, the artist, and the art itself are discussed. Here, it is argued that in an environment where digital culture has an abundance of fluid images, art managed by statistics have changed the raison d'être and form of art itself. In this study, the art context of Big Data is analyzed in a multifaceted way by using the contemporary systemic understanding. For this reason, this article is a transdisciplinary study that includes related fields of society, nature and human sciences such as theory of art, philosophy, sociology, sociology of knowledge and socio technical. In this direction, theories, and concepts of thinkers such as Ludwig Von Bertalanfy, Claude E. Shannon, Norbert Wiener Marshall Mcluhan, Niklas Luhmann, Deleuze and Guattari, Foucault, Jack Burnham, Walter Benjamin, Jean Baudrillard and contemporary thinkers Viktor Mayer Schönberger 's approaches were used.
Text in Turkish ; Abstract: Turkish and English; Includes bibliographical references (leaves 127-132); xii, 133 leaves
2021-06-21T00:00:00Zİnsansonrası durum ve çoklu platformlarda sanat
https://hdl.handle.net/11729/3222
İnsansonrası durum ve çoklu platformlarda sanat
Balkan, Gökhan
Teknolojinin hızla gelişimi ‘insansonrası durumlar’ yaratmaktadır ve her geçen gün bir diğeri ile karşılaştığımız insansonrası durumlar insanı başkalaştırmakta, ivmelenen bir dönüşüme tabi tutmaktadır. Gelgelelim insanı kendinden ibaret bir varlık formu olarak anlamak doğru olmayacaktır öyleyse bahsi geçen dönüşümün denklemi insan bedenini çevreleyen şeyler ile beraber bir bütün olarak kurulmalıdır. Tez bu düşüncelerin izinde, insansonrası dönemin gerçekliğini oluşturan durumları irdelemek için insan, doğa, kent ve kültür ilişkisi üzerinde yoğunlaşmakta ve temel gördüğü insansonrası durum olan emek işçiliğinden zihin işçiliğine geçiş eğilimine odaklanmaktadır. Böylelikle gelişen sosyoloji içinde insansonrası durumun bir çokluk ortamı yaratma kapasitesi olduğu belirlenmekte ve bu bağlamda beden-insan, doğa-kent olgularının neye dönüştüğü tez kapsamında çözümlenmektedir. ‘Posthümanizm’ kavramının hakikat siyasetinden arındırılarak, gerçek ifadesinde ‘Hümanizm’ sonrası olarak anlaşılması, insansonrası durumları ve etkilerini değerlendirirken ‘Transhümanizm’ ve ‘Posthümanizm’ ayrımının netleştirilmesini gerektirmektedir. Bu sebeple tezde hümanizm olgusu ve kapsamı irdelenerek dışılığı açımlanmaktadır. Bu bağlamda posthümanizmin ancak ‘eleştirel posthümanizm’ olarak anlaşıldığında ve insansonrası durumların ancak yerleşik sistemden çıkışı mümkün kıldığında gezegen ölçeğinde ‘Yaşam’ın yüceltilerek sürdürülebileceği vurgulanmaktadır. Kapitalizm ile hümanizmin birbirine bağlanması ile sosyolojinin mimarı olarak şekil alan ‘neoliberalizm’ ve transhümanizm tez kapsamında eleştirinin odağına alınmaktadır. Bir başka kültür alanı olarak görülen sanatın da insansonrası durumda gerçek ve gerçeklik ile kurulan ilişkinin sınırında, ‘çokluk’un yapıtaşı olarak yer bulmakta olduğu öne sürülmektedir. Hipergerçeklik örüntüsünden çıkış ile sanatın gerçek olma savının, insansonrası durumda geçerlilik kazandığı belirlenmektedir. Çoklu birliktelikler, paylaşımlar, karşılıklı etkileşim ve katılım kısacası insan ve insan etkileşimi ile hakikat oyunlarının sonunun çoklu platformlarda söz konusu olduğu anlatılmakta ve bu sav kısa tarihsel bir zeminde incelenerek tez konusu edilmektedir.; The rapid development of technology creates posthuman situations and the posthuman situations that we encounter everyday subject human beings to an accelerated transformation. However, it would not be correct to understand ‘the human’ as a form of being composed of itself, so the equation of the said transformation should be established as a whole with the things surrounding the human. Thus, in order to examine the situations that constitute the reality of the posthuman period, the thesis concentrates on the relationship between human, nature, city and culture, and focuses on the trend of transition from labor to immaterial (mental) labor, which is considered as one of the basic posthuman condition. In this context, it is determined that the situation mentioned as a thesis has the capacity to create a multitude environment. In the sociology that develops in this direction, what the body-human, nature-city phenomena turn into is analyzed within the scope of the thesis. Understanding Posthumanism as the end of humanism as the word actually refers to requires clarifying the distinction between “Transhumanism” and “Posthumanism” when evaluating Posthuman situations and their effects. For this reason, in the thesis, the extension of the phenomenon of humanism and its scope is examined and its externality is explained. In this context, it is emphasized that posthumanism can only be understood as “critical posthumanism” and when posthuman situations make it possible to exit from the settled system, “life” can be exalted and maintained by the planetary scale. Neoliberalism and transhumanism, which take shape as the architects of sociology with the interconnection of capitalism and humanism, are taken into the focus of criticism within the scope of the thesis. It is claimed that art as another field of culture, finds its place as the building block of the medium of the multitude, on the border of the relationship established with truth and reality (symbolism) in the posthuman situation. Together with the exit from the illusion of hyperreality, it is determined that art reconstructs its relationship with the ‘truth’ in the posthuman situation. It is explained in the thesis that, multiple associations, sharing, mutual interaction and participation, in brief, human and human interaction and the end of truth games are in focus on multiple platforms, and this argument is examined on a short historical basis and is the subject of the thesis.
Text in Turkish ; Abstract: Turkish and English; Includes bibliographical references (leaves 220-225); xiv, 225 leaves
2020-11-19T00:00:00ZKültür endüstrisi ve sanat ilişkisi içerisinde esin, taklit, alıntı, çalıntı
https://hdl.handle.net/11729/2195
Kültür endüstrisi ve sanat ilişkisi içerisinde esin, taklit, alıntı, çalıntı
Çelik, Şükrü Can
Sanatta taklit ve sahtecilik meselesi tarih boyunca birçok yaklaşımla ele alınarak günümüze kadar gelmiş, sanatın giderek estetik bir ilişki – iletişim biçimine dönüşmesi, yeni üretim tekniklerinin sanat alanına girişi ve sanatsal biçimler arasındaki etkileşimin kuramsal temellere tam olarak oturtulamamasıyla birlikte başlangıçtaki anlam ve içeriği değişmiştir. Bu süreç, kültür endüstrisinin etkisiyle birlikte sanat eserinin bir tüketim ürünü gibi alınıp satılabilmesine olanak sağlamıştır. Sanatın eserinin bir tüketim ürününe dönüşmesi zamanla yerini tüketim ürünü olarak üretilen sanat eserlerine bırakmıştır. Bu durum, kendi içinde özgünlük barındıran eserlerden farklı olarak sadece ticari amaçla üretilmiş birbirinin kötü kopyası eserlerin ortaya çıkmasına sebep olmuştur. Bu çalışmada kopyalanamayan değerli bir sanat eseri için gereken nitelik olan özgünlük/orijinallik kavramı, temelde tescilli ve anlatımsal özgünlük olarak ikiye ayrılarak irdelenmiştir. “Kültür Endüstrisi” kavramından hareketle sanat eserinin metaya dönüşmesi ve bunun sonucunda ortaya çıkan eserlerin benzerliği ele alınmıştır. Hangi eserlerin kopya, hangi eserlerin anlatımsal özgünlük ile oluşmuş sanatsal bir esinlenme olarak kabul edilebileceği tartışılmıştır. Sanatın bugün geldiği noktada özgünlük kavramının varlığını sürdürüp sürdüremediği eleştirel bir yaklaşımla sorgulanmıştır. Bir eser hangi amaçla üretilirse üretilsin özgün olabilir. Dolayısıyla kültür endüstrisi ve sanat ilişkisi bağlamında oluşan yığınlaşmayı sadece ticari amaçla veya popüler kültür amacıyla üretilmiş eserlerin değil, yeni ve özgün olarak ortaya sürülen fakat içinde sanatçıya ait bir üslup barındırmayan kopya eserlerin oluşturduğunun altını çizmek gerekir. Bu nedenle bu çalışma, sanatçının süreçteki yer alma düzeyinin, özgünlük kavramı ile sıkıca bağlı olduğunu ve özgünlük arayışlarının bu kapsamda değerlendirilmesi gerektiğini bir öneri olarak sunmaktadır.; The issues of imitation and forgery in art has been approached from many perspectives throughout history and the initial meaning and content of the original has changed with the transformation of art into an aesthetic relationship/communication form, the introduction of new production techniques in art and the fact that interaction among artistic forms cannot be fully established on the theoretical basis. This process enabled the work of art to be bought and sold as a consumption product with the influence of culture industry. The transformation of the work of art into a consumption product has been replaced by the works of art produced as consumption products. This has led to the emergence of art works which are bad copies of each other and produced exclusively for commercial purposes, in contrast to the works that contains authenticity in itself. In this study, the concept of authenticity / originality, which is the quality required for a valuable work of art that cannot be copied, has been divided into two, nominal and expressive authenticity. The transformation of the artwork into commodities and the similarity of the resulting works are addressed by the cultural industry. Which works can be considered as an artistic inspiration formed by expressive authenticity and which works can be considered as bad copies are discussed. In the point where art came from today, it has been questioned with a critical approach as to whether the concept of authenticity can exist or not. A work of art can be unique for whatever purpose it is produced. Therefore, it is necessary to underline that the agglomeration in the context of cultural industry and art doesn’t consist of only the works produced for commercial purposes or popular culture, but also the copy works which are released in the market as new and original art although they do not contain a style belonging to the artist. Therefore, this study presents a suggestion that the artist's involvement in the process is firmly connected with the concept of authenticity and the search for authenticity should be evaluated within this scope.
Text in Turkish ; Abstract: Turkish and English; Includes bibliographical references (leaves 108-111); xi, 112 leaves
2019-05-27T00:00:00Z